私にとっての PERFECT DAYS とは？

 

久しぶりの映画レビュー。人生礼賛の映画。
渋谷で観た。鑑賞後とても爽やかな気持ちで街に出た。

ヴィム・ヴェンダースの手にかかると、東京が一瞬でヨーロッパ映画の舞台に。
巨匠が描くひとつひとつの絵に惚れ惚れ。音楽も格好よかった。
東京に住んでいることに幸せを感じるとともに、少し誇らしくなった。

いろいろな記号が出てきて、思わず解釈しようとするよこしまな自分を諫めながら、ただスクリーンを見つめた
渋谷のトイレ、浅草の飲み屋
木漏れ日、読書灯
黒塗り レクサス、軽バン ダイハツ
商業広告、芸術映画
今度、いま

意味とか目的とかなんにも考える必要はない。ヴェンダースの絵と音楽を浴びることができた、それだけで幸せな一日だった。

蝉は八日目にして一筋の光を見た

気付けば初の邦画レビュー。

八日目の蝉　原作：角田光代　監督：成島出　出演：井上真央/永作博美
を観た。

観賞後の映画に対する感想がえらく発散し、まとまりをみないのは、この作品が単に誘拐犯の逮捕劇を描いたに留まらず、広く深く人間の根源的な何かを観る者に訴えかけたからだろう。

人生の今、この作品と出会えて本当に良かったと思う。

男/女、既婚/未婚、子持ち/子無し、子育て中/子離れ後。観る人の数だけ解釈が存在する、考えさせられる映画であった。

（以降、多少ネタばれが含まれるので要注意！）

このストーリーとなった事象を新聞が取りあげたとするなら、せいぜい

「不倫相手の女が、不倫相手の子供を連れ去り、4年間育てた末、逮捕された。」と、

単なるひとつの不倫相手の逆恨み誘拐事件として片付けられてしまうだろう。

もちろん希和子（誘拐した娘の夫の不倫相手であり、その不倫相手との間にできた子供を堕胎させられた女）は誘拐犯としての「悪」、がおこした「事件」と読み取られる文脈で報じられることになるのである。

はたして、そうだろうか？

これは事件なのだろうか？

希和子は犯罪者なのだろうか？

本当に裁かれるべきは誰・何だろうか？

希和子の薫（誘拐した女の子に希和子がつけた名前）に対する愛それ自体は、決して裁かれるものではないと思う。

愛に善し悪しはない。

人がだれかを思う気持ち、愛は、自発的で、純粋で、慈善的で、人が人であり得る限り存在し続けるものであり、イノセントで空気のようなもの。ただ、人によってその量（愛がとめどなく湧いてくる人）、そのコントロール（愛の表現方法が極度に利己的な人）に個性がある。人の数だけ愛し方がある。

愛のアウトプットとしての行動（愛情表現）が法律に抵触し「罪」になる事はあるが、愛それ自体に、良い悪い（白 or 黒）は無い。無色透明である。

子供にとって、巻き戻すことのできない幼少の時間。誘拐された4年は、はたして良かったことなのか、悪かったことなのか？喜ぶべきことなのか悲しむべきことなのか？

ここに答えはない。

希和子にとっては、とめどない愛情を惜しみなく注ぐことのできた4年間。

娘の産みの母にとっては、取り返せない幼少期を剥奪された空白の4年間。

不倫相手の夫にとっては、自分の不倫がきっかけで娘だけでなく父権をも失った4年間。

そして、薫にとっては、産みの母と引き離されるも、希和子に無量の愛情を注ぎ続けられた4年間。
恵理菜にとっては、忘れ去りたい記憶として今も心に影を落とす4年間。

唯一つ言えることは、その事象と4年間という時間は、その本人だけでなくその関係者その後の生き方に大きな影響を及ぼしたということ。　

「三つ子の魂百まで」とはよく言ったもので、やがて恵理菜が大人となった時、その影響の大きさを知ることになるのである。

事象は繰り返される。不倫、夫に望まれない子の妊娠。

それは、夫の不倫相手、希和子を「がらんどう」と罵倒した、産みの母に対する精いっぱいの抵抗だったのか、

血のつながりこそないものの、育ての母として希和子から得た愛情の賜物だったのか。

恵理菜は決して逃げなかった、父親不在でも、母になることを決意するのである。

（母と父の違いなのか!?母性という言葉はあっても父性という言葉が一般的でない理由が少しだけ分かった気がした。）

誘拐から解放されたその後の人生において、ずっと目をつむって来た希和子との4年間。でもその記憶は決して消し去ることが出来ない程、強く、深いところで恵理菜を形作っていた。この物語を嬉しく思うのは、母子の関係は法の下引き裂かれるものの、注がれた愛情は脈々と子に受け継がれ、ご褒美として必ず報いるのだという事を描いてくれた点である。恵理菜は希和子を拒絶するのではなく、自ら母となる強い意志を持って、希和子の愛情表現を最後に受け入れたのである。

その結末をもって、これは単なる事件ではなく、母子間の母性の遺伝としての事象にまで昇華したのである。

八日目の蝉は、他の蝉よりも孤独で、生きることの苦悩は多いが、

その1日の余命で、本当に大切な、人生にとっての美しい何かに気付くことが出来たのである。

幼い子を持つ母、片親で育った子、不倫中の夫・女性、が観なくてはいけないのはもちろんのこと、他にも、愛情を受けて育った全ての人に観てほしい映画。

昔の産めよ、育てよと（誤解を恐れずに言わせてもらえば）家族を量産してきた祖母・祖父の時から時代は変わり、子供を切望しても恵まれない家族が多いこの世の中。親はどのように子と向き合っていくべきかについて、この“犯罪者”と“被害者”は多くのことを教えてくれた気がする。

何十年後になるかわからないが、母性の遺伝が確認できる頃に、今度は、小説を読んでみたいと思う。

補足：

愛は、親から子へ不可避に遺伝する（そして、無意識に親に似てくる）ものであるが、以下にレバノン出身の詩人であるハリール・ジブラーンの詩を引用することで、「子」は立派に「個」であることも付け加えたい。

『子どもについて』

赤ん坊を抱いたひとりの女が言った。 

どうぞ子どもたちの話をしてください。 

それで彼は言った。 

あなたがたの子どもたちは 

あなたがたのものではない。 

彼らはいのちそのものの 

あこがれの息子や娘である。 

彼らはあなたがたを通して生まれてくるけれども 

あなたがたから生じたものではない、 

彼らはあなたがたと共にあるけれども 

あなたがたの所有物ではない。 

あなたがたは彼らに愛情を与えうるが、 

あなたがたの考えを与えることはできない、 

なぜなら彼らは自分自身の考えを持っているから。 

あなたがたは彼らのからだを宿すことはできるが 

彼らの魂を宿すことはできない、 

なぜなら彼らの魂は明日の家に住んでおり、 

あなたがたはその家を夢にさえ訪れられないから。 

あなたがたは彼らのようになろうと努めうるが、 

彼らに自分のようにならせようとしてはならない。 

なぜなら命はうしろへ退くことはなく 

いつまでも昨日のところに 

うろうろ　ぐずぐず　してはいないのだ。 

あなたがたは弓のようなもの、 

その弓からあなたがたの子どもたちは 

生きた矢のように射られて、前へ放たれる。 

射る者は永遠の道の上に的をみさだめて 

力いっぱいあなたがたの身をしなわせ 

その矢が速く遠くとび行くように力をつくす。 

射る者の手によって 

身をしなわせられるのをよろこびなさい。 

射る者はとび行く矢を愛するののと同じように 

じっとしている弓をも愛しているのだから。 

神谷美恵子・訳（角川文庫）

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八日目の蝉

2011年　日本

原作：角田光代

監督：成島出

出演：井上真央（薫･恵理菜）、永作博美（希和子）

心温まる優/易しい愛の映画

イラン映画、運動靴と赤い金魚 。

ほとんどBGMも無ければ、手の込んだ撮影技法も無く本当にシンプルにイランの日常の物語が淡々と流れていく。

あえて極端な演出を控えているのは、そもそも幼児向けを狙って作られた映画だからだろうか？それとも、まだ技法的に擦れてない90年代中東映画の単純に素朴さの表れだろうか？映画を観ながら、制作の意図を勘ぐるそんな自分に気付くと、ふと嫌気がさす。「こんな純朴な映画なんだから、何も考えずに楽しめばいいじゃない」と。

映画後半ストーリーが動くと共に、そんな邪念がかき消されるように物語に入り込んでいきました。作品を貫く兄妹愛の象徴としての靴、彼らを陰から見守るようにわずかに登場する赤い金魚達。くすんだイランの貧困生活が描かれる作品中、唯一登場する二つの鮮やかな色。靴と金魚。それは、子供の心眼に見た、愛の色だったのでしょう、きっと。

映画のラストカットをそんな赤色で締めくくってくれた編集のバランス感覚には脱帽、感謝でした。

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運動靴と赤い金魚 （英語名：Children of Heaven）

1997年　イラン

監督：マジッド・マジディ

出演：ミル＝ファロク・ハシェミアン、バハレ・セッデキ

Will be the next mission for Tom?

Director:J.J. Abrams
Cast: Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman

Am I the only one who felt Tom became old? This is not only because his appearance looks old but also the atmosphere of this movie made me feel he was not so energetic as what he used to be six years ago. I just felt MI series needs to be more action-oriented-movie, that’s something all the audience around the world expects for this movie and Tom as secret agent. I just do not want this series to be the same as Alien, if there will be another mission to be assigned to him.

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なんかトム・クルーズ年とったように見えたのは俺だけかな？それって前作の6年前に比べて、彼のルックスが単純に老けて見えただけじゃなくて、映画の雰囲気自体が彼に翳りを与えてたと思うな。ミッション・インポッシブルのシリーズはもっとアクションを前面にだしてほしかったなぁ。だってそれこそが世界中の観客がこのシリーズ、そしてシークレット・エージェントとしてのトムに期待するものでしょう。もう一度トムにミッションが与えられることがあるとしたら、エイリアンと同じ末路を辿らないことを祈りましょう。

Dummn! Movie Globalization

Director: Ron Howard
Cast: Tom Hanks, Audrey Tautou, Jean Reno.

Everybody says that reading an original book makes watching the movie boring. There has been no other movies ever before than The Da Vinci Code, which had to overcome such a big-worldwide-pressure and make the movie successful just like the original book written by Dan Brown. The only way that Hollywood came up with to accomplish this huge challenge is to appoint the biggest names in current movie industry, Ron Howard and Tom Hanks. I think this can be a good excuse enough to persuade all the audiences around the world, no matter what their religions are, if the movie turned out poorer than its original book. ”Even these academy-award-buddies could not make this movie successful, so no one can make it better…”Under such a big pressure, the contents of the movie also showed a contradiction between what the original author wanted to convey and what actually the movie showed to the audiences. In short, the book is more edgy in a sense of criticism of Christianity; however, disappointedly the pressure made the movie rounded, in other words, not to be controversial. I believe that movie should appeal to individuals rather than to mass audiences. Generally movies which cause much controversy by more people tend to be your favorite one, don’t you agree with me!?!?

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「映画は、原作を読んでから見ると、絶対につまらなく感じる。」皆口をそろえてそういいます。許されざる失敗、期待された成功、という世界中のプレッシャーをこんなにも集めた映画は、今だ嘗てこのダヴィンチ・コードをおいて他にはないでしょう。二千年余の宗教の全歴史を背負った映画の創作という難題を前に、ハリウッドが唯一講じ得た策は現時点の映画界で最高といわれるビック・ネーム「ロン・ハワード＋トム・ハンクス」の起用でした。これは悪い意味で、世界中の（いかなる宗教をも問わず）ありとあらゆる観客に対する、いい「言い訳」になっている気がします。だって、もしそのプレッシャーに勝つことができず、映画が原作を上回ることができなかったとしても、「アカデミー・タッグの二人をもってしても成しえなかった難業なのだから、他の誰をもってしても不可能だった。」と言いのがれられることができるからある。こんな巨大なプレッシャーのせいもあってか、映画の内容にも、原作者ダン・ブラウンが言わんとしたかったことと、実際の映画が観客に伝えられたこととの間に矛盾が見え隠れしていました。原作の内容はキリスト教の教義に対してより辛辣なのにたいして、映画はそのプレッシャーの影響のせいか、残念なことに、まるめ込まれた内容となってしまっています。ずばり、映画もマスをターゲットとするのではなく、もっと個人に訴えかけるものでなくては面白みがない。だって、概して多くの人から議論の的になるような映画に限って、実はあなたのお気に入り映画だったりすることって往々にしてない？俺だけかな？？

American-style "chic" movie

Director: George Clooney
Cast: David Strathairn, George Clooney

Last November my movie-friend, currently studying cinematography in NYC, told me, “You are right! George made it, he showed a remarkable talent in his recent work neither as an actor nor as a producer, but as a film director.” Since then, I was longing to watch the movie “Good Night and Good Luck.”
All the scenes were shot in the same TV studio set, and interestingly every shot is covered by dim gray smoke of cigarette. And basically no BGM, just sometimes songs of Jazz singer, Dianne Reeves, were inserted between the scenes. It made the screen real heavy and dark, reflecting the atmosphere of 1950’s communism-persecution-era. Message in this movie is straight forward, but it obviously does not appeal to whole variety of audiences, in other words, it cannot make money. So what motivated George Clooney to create this movie is not just for making a tribute to his father, who used to be a news reporter, but also for purely pursuing what is cool by showing a justice of journalism through cool cinematographic techniques. This movie definitely realized me that to be cool is really cool!!

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去年の11月だったか、久々にニューヨークで映画勉強中の友人と話をしたときのこと。「ちゅうくんの言ってたとおり、ジョージ・クルーニーがついにキタよ！！最新作で、彼もついに才能開花したよ。俳優としてでもなく、プロデューサーとしてでもなく、監督としてね。」そんなアメリカからの先行情報を聞いちゃ、いてもたってもいられるわけがない。先日、そんな首をながーくして待っていた「グッドナイト・アンド・グットラック」がついに日本でも公開しました。全てのシーンが同じテレビ局のセットの中での撮影。それら全ての画面に漂う灰色の煙草の煙。そして、シーンのところどころに挿入されるダイアン・リーブス扮するジャズシンガーの妖艶な歌、それ以外には基本的に全篇BGMなし。それらの全ての演出がうまーく、50年代の反共産主義時代の重く、暗い空気を作り出しています。この映画に込められたメッセージは単刀直入。でも、もちろんこんなモノクロ映画が世の大勢に受け入れられるわけがありません、つまり金にならないってこと。で、何がジョージ・クルーニーをこんな映画創作に駆り立てたのだろう？そりゃたんにニュースキャスターだった父への敬意を示すって為だけじゃなくって、むしろ報道の正義を題材として、あらゆる技術を駆使し、純粋に「クール」って何かを追及したかったんじゃないのかな？この映画を見て思えたよ。格好つけることってわるいことじゃないじゃん、ってね。

SF Movie Report 4: The Sea Inside

Director: Alejandro Amenabar
Casts: Javier Bardem, Belen Rueda, Lola Duenas
Release Date in Japan: April 16, 2005

Story:　"The Sea Inside" is the real life story of Spaniard Ramon Sampedro (played by Bardem), who fought a 30-year campaign in favor of his right to die with dignity. Two women try to change his life - Julia (Belen Rueda) is a lawyer who supports his cause, and Rosa (Lola Duenas) is a neighbor who wants to convince him that life is worth living. The two women's encounters with the charismatic Ramon lead to change in their own lives.

It made me think about death with dignity.

When I was watching this movie, especially near the last scene, I had a little wired feeling to myself. The scene was about Ramon’s final decision of his life, and I thought I deeply concentrate on the story and should be touched the last scene. But actually what I was attracted to at that time was the other audiences’ noises… some people sounds like, they are sobbing, and the others are blowing their nose with their handkerchief… Then, I just realized why my feeling at this moment was different from those people’s… I couldn’t cry for the decision Ramon finally made. I don’t want to bring the whole story here, so I cannot say it in detail, but this fact let me know that at least I am not against the idea of death with dignity.

The main character in this movie, Ramon(Javier Bardem), was always lying down on a bed, and couldn’t do anything except writing a poem because of his past accident. However, he had one freedom that he can travel anywhere he wants to go in his mind. His imagination let him fly away from the window next to his bed.

For me, even he lost his physical freedom, but he still had mental freedom. This is important; this fact does not change no matter whether he is alive or dead. This movie taught me that death might take away physical freedom from us, but it cannot take away mental freedom together. Even after we die, our mind is still alive somewhere, especially in people’s mind.

There are many people in this world who are obliged to be alive on a bed and are willing to die. This movie gave me some idea about how those people thinks. They may feel isolated or lonely just because they are different from the other people in terms of their physical condition. So, they hope to free themselves from the physical restriction in order to pursue entire freedom and be fair with other people.

In the movie, he sometimes repeated, “life is a right, not a obligation.” This means he wanted to have the same right as the other people to achieve a life with real freedom. Dignity in the idea of death with dignity indicates not only dignity for the will of those who wants to die, but also for the right that everybody is in fair to freedom. It is difficult to judge how much peoples’ freedom is respected and restricted, but as long as the freedom hurts nobody, I think the freedom has to be given to anybody as much as possible.

In end of this movie, Ramon was given the freedom that he has been pursuing for 26 years. Finally he was dignified with real freedom. In this sense, I understand why I couldn’t cry for the ending because he could be happy at the last moment of his life.

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ストーリー：この「海を飛ぶ夢（原題：The Sea Inside）」は、30年間あまり尊厳死について闘いぬいたラモン・サンペドロ（ハビエル・バルデム）という実在した一人の男の物語である。彼の事例を扱う弁護士のフリア（ベレン・ルエダ）と彼に活きる意味を訴えかけるローザ（ローラ・ドゥエニャス）という二人の女性は彼の人生を変えようと必死だった。ラモンは彼女たちとの出会い、彼女たちもラモンに出会うことで、彼ら三人の人生は大きく変化を遂げるのであった。

尊厳死について考えさせられた。

ラストシーンを見ていたときだった。自分でもなんだか変な自分に気がついた。主人公のラモンが自分の生に最後の決断を下すシーンだった。自分ではそれなりに話にのめりこんで、ラストシーンに涙でも流そうかと思っていたのだが、実際、まったく意図していなかった他の観客の雑音を気にする自分がいた。ある人はすすり泣きのような音、ある人はハンカチで鼻をかむような音。で、「あれ、なんで他の観客とリアクションが違うんだ!?」ってふと思ってしまった。
ラモンの下した最後の決断に、みんななんで泣くのかよく分からなかった。ここでネタばれするわけにはいかないので、詳しくは映画を観てもらいたいが、その奇妙な感覚は、尊厳死の問題に対して、反対しているわけではないという、自分の立場を再確認させてくれたような気がする。

この映画の主人公であるラモン（ハビエル・バルデム）は、事故に遭い寝たきりで、詩を書く以外のことは何もできない生活を送っていた。しかしそんな彼にもたった一つの自由が許されていた。それは彼は心の中で行きたい所ならどこへでも旅をすることができたのである。彼の創造力は、彼をベット際の窓から飛び立たせるに足るものだった。

彼は体の自由を失った、しかし決して精神の自由を失ったわけではない。これは重要なことで、この事実は彼が生きていても、死んでいても不変である。この映画を観て思った。死は私たちから体の自由を奪いはするが、精神の自由まで一緒に奪うことはできないということ。私たちが死んだ後も精神は、人の心とか、どこかで必ず活きるということ。

世の中にはたくさん、ベットの上の生きることを余儀なくされ、死を渇望する人たちがいる。この映画を観て、その人たちの気持ちに少しふれることができた気がする。たぶんに、自分の肉体的状態が他の人と異なるというために、彼・彼女たちは孤独感や寂寥感を感じている。それゆえに、その肉体的拘束から自身を解放し他の人たちと同様に真の自由を求めたいと思うのである。

映画中ラモンは、「人生は権利であり、義務ではない。」と繰り返した。彼は他の人同様に真の自由に満ちた生活を送る権利を得たかったのだろう。「尊厳死」という言葉の中の「尊厳」の意味するものとは、死を望む人の意思を尊厳するということだけではなく、全ての人に対し公平な自由を享受する権利を尊厳するということでもある。どこまで人の自由を尊重し、制限するかは難しい問題ではあるが、少なくともその自由が誰も傷つけない限りは、自由というものは全ての人に最大限与えられるべきだと思う。

映画の最後で、ラモンは26年間求め続けた自由を得ることができた。最後に彼は真の自由によって尊厳を保たれたのである。その意味において、自分が泣けなかった理由が分かった。だって人生の最後の最後で彼は本当に幸せになれたのだから。

77th Academy Predictions

February 27 5pm (Pacific Time) is just around the corner. Are you ready to stare at TV and to hear, “Oscar goes to…,” Every year this season reminds me one memory… Just a few days later I arrived at dormitory in Ohio, I was watching 2002 Academy Awards on TV with my roommate. We got so excited about the moment, Denzel Washington got the first Oscar as an African American in the history of Academy… I just cannot wait the exciting moment for this year, so a little too early, but following lists are my guess and expectation for 2005 Oscars.

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2月27日午後5時（西海岸時間）はもう目の前。テレビに釘付けになり、俳優の読み上げる「オスカー・ゴーズ・トゥー…」を聞く準備はできた？毎年この時期になると思い出すねぇ。2002年、オハイオの寮に着いた数日後、ルームメイトとアカデミーの授賞式を見たんだよね。で、黒人で歴史上初のアカデミー賞に輝いたデンゼル・ワシントンに歓喜したなぁ。今年もそんな感動を待ちきれず、ちょっと気が早いけど、2005年アカデミーの予想と期待、いってみましょう。

SF Movie Report 3: Million Dollar Baby

[Million Dollar Baby]

Director: Clint Eastwood
Casts: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman
Release Date in Japan: 2005

Story:　In the wake of a painful estrangement from his daughter, boxing trainer Frankie Dunn, Clint Eastwood, has been unwilling to let himself get close to anyone for a very long time--then Maggie Fitzgerald, Hilary Swank, walks into his gym. In a life of constant struggle, Maggie's gotten herself this far on raw talent, unshakable focus and a tremendous force of will. But more than anything, she wants someone to believe in her. The last thing Frankie needs is that kind of responsibility-- let alone that kind of risk--but won over by Maggie's sheer determination, he begrudgingly agrees to take her on.


First impression of watching this movie is, wow Clint became really old…, I mean, his looking seems really old for me. But more than that, as I watched this movie, the feeling I had at the beginning has changed a little bit.

His stance making this movie is really simple and clear, much much more understandable than Howl’s Moving Castle. In this movie, there is no meaningless implication or metaphor, which are really common in current movies, especially in　Japanese horror movies. Story is pretty straightforward. Even it confused me that it was like based on real story. I couldn’t make a connection an old film director with this movie with minimal design. Usually, the older directors become, the more their film becomes a product with full of implications maybe because of their rich experience and philosophy as a person.

However, this movie showed a Clint’s sense of contemporary art. He is still young and different from those who talk about only old times. The movie without laugh, intentional hidden meaning, control viewers’ tear, and expected mainstream ending taught us that movie is not completed until it is watched by audiences. Movies, or I can say all creations also, should not just tell everything but must believe audiences and leave some freedom to let them interpret the meaning on their own way.

Surprisingly this is not a documentary like movie, I totally thought this is based on true story, but young part of Clint’s mind made this movie just like a documentary about himself as a one old person. Great achievement of this movie is that it realizes us America is the best filmdom around the world. This is a real American movie.

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ストーリー：　ボクシング・トレーナーのフランキー・ダン（クリント・イーストウッド）は娘との断絶から自らの心を閉ざし、ひとり本を読み耽る毎日を送っていた。そんなある日、ある女性マギー・フィッツジェラルド（ヒラリー・スワンク）が彼のジムを訪れた。決して楽とはいえない生活を余儀なくされていた彼女だったが、磨けば光る才能、ゆるぎない集中力、そして強い決意が彼女にはあった。そして彼女にはもうひとつ、信じることのできる誰か、が必要だった。一方、フランキーには、（リスクを伴う決断でもある）他人を受け入れる勇気が必要だった。ついには彼もマギーの強い決意に重い腰を上げ、トレーナーとして再び彼女をリングに上らせる決心をした。


映画が始まってすぐに思ったのは、クリントがすごく老けて見えた。。。見た目がね。でも映画が進むにつれて、その最初のイメージが変わっていったんだよね。

この映画で彼の取ったスタンスは極めてシンプルで明確、ハウルの動く城の百倍分かりやすかったな。特に今の和製ホラー映画に多い無駄な含みや隠喩は劇中一切無し。実話に基づいた映画なのかって錯覚すら覚えるほど、ストーリーも率直過ぎるくらい直球。そんなミニマルにデザインされた映画と年を経た映画監督って組み合わせがなんだか妙に感じてね。だってたいてい監督は年を取るにつれて、その映画は含みの産物みたいな映画になるのが定石。だって、監督も人として経験を積み、考えも深くなっていくわけだから。

でもこの映画をみたらクリントがコンテンポラリー・アーティストに見えてきたな。まだまだ若い、昔話を繰り返すおじいちゃんとは一味違うね。この映画には笑いが無い、意図的に隠された意味も無い、観客の涙腺を操作もし無い、そして大衆の期待するエンディングも無い。そんな映画は、映画は観客が観た時に始めて完成をみるって基本的なことを教えてくれた気がする。映画だけじゃない、全ての創造物もまた、全てを語っちゃだめで、まず受け手を信じることそして彼らが好きなように解釈できる自由を与えなくてはいけない。

驚いたことに、これはドキュメンタリー的な映画じゃないんだよね。てっきり実話に基づいたものかと思った。だけどクリントのまだまだ若い心がこの映画をひとりの老人としての自分自身のドキュメンタリーのような作品に仕上げたんだよね。この映画が教えてくれたものは、アメリカはまだまだ世界一の映画の国だってこと。これこそアメリカ映画だね。

SF Movie Report 2: Sideways

[Sideways]
"In search of wine. In search of women. In search of themselves."

Director: Alexsander Payne
Casts: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Sandra Oh, Virginia Madsen, Marylouise Bruke
Release Date in Japan: March 5.

Story: Two men reaching middle age with not much to show but disappointment, embark on a week long road trip through California's wine country, just as one is about to take a trip down the altar.

Honestly, I rarely watch movies directed by unknown filmmaker for me. Even after I finished the film, I was still wondering why this movie made me interested and brought me in the theater… Of course, my dearest combination, California and wine, was one of the reasons, but also maybe I was expecting to see the difference form the other made-in-Hollywood movies.

Story of this movie is just simple. Normally such an easy plot movie tends to end in failure because of the low budget, not so much events and small scale distribution. However, the director, Alexander Payne, showed us his great sense of balance between sophistication of wine and humor of southern California in one movie; he is just like a wine producer. Wine, the theme of this movie, could be too stylish for wide range of audience to understand the plot, and also the essence of comedy could be so cheesy that it sometimes makes us feel annoying. But, Payne successfully combined those two aspects and put them into a bottle of wine. In some part of movie, he added the serious conversation about the life of wine, on the other hand, sometimes two main characters’ behavior was just stupid enough to make us laugh.

Especially what I liked about this movie is that the main character, Miles, who is addicted to wine, loves Pinot Noir the best, but he hates Merlot… In the movie, he explained about why Pinot Noir is best for him, Pinot is more delicate, takes time to be ripe, and sensitive to the place to grow up, unlike Merlot or Cabernet with stronger body. All those detailed setting creates peoples’personality, storyline, and atmosphere of the movie.

Even now, I cannot really conclude that what was the motivation for me to watch this movie, I don’t know. But the flavor of this movie certainly will last forever with my memory of staying here, even after I leave California. Only for this movie, I strongly recommend; please wait until the DVD is released, and grab a bottle of Pinot Noir, and please open it before you press the play button of your player, because nothing can be a better appetizer for wine than this movie.

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ストーリー：　日々の生活に焦燥感を感じている二人の中年の男達は、1週間のカリフォルニア・ワイナリー巡りの旅に出る。そのうちの一人は結婚という船出が間近に迫っているにもかかわらずに。
「人生の寄り道ロードムービー。」

正直、あんまり自分の興味外の監督作を見ないっていう傾向があります。映画を見終わった後でもなお、どうしてこの映画を見たいと思ったんだろうって悩みは消えなかったなぁ。カリフォルニアとワインっていう大好きな組み合わせに興味をそそられたのはもちろんだけど、もしかしたらこの映画には他のハリウッド映画と一線を画する何かがあるかもって期待があったからかもね。

映画のストーリーはきわめて単純。たいていこの手の、低予算で、劇中の出来事が少なく、配給の小さい映画は得てして駄作に終わることが多いけど、まるでワインの作り手のように、ワインの洗練さと南カリフォルニアのユーモアを絶妙に交えた秀逸のバランス感覚を、監督アレクサンダー・ペインはこの映画で見せてくれました。この映画のテーマである、ワインは様々な観客にたいして話を小難しくする危険性がある。くわえて、コメディーにおける笑いの見せ方もやり方によっては安っぽくなり不快感すらも与える危険性がある。
でもペインはこの二つのリスクを巧みに、一つのワインボトルに詰め込こんだ心地よい作品に仕上げました。映画の中で、時にはワインの一生についてのシリアスな話が出てきたり、またある時は二人の主人公が本気で馬鹿げたユーモアを見せたり。

とくにこの映画の中で最も好きだった演出は、ワインマニアの主人公マイルズはピノ・ノワールが大好きで、メルローはまったくうけつけないっていう性格描写。彼は映画の中でこう説明します。「ピノは繊細で、実が熟するのに時間がかかる、そして育つのに場所を選ぶ。カベルネはどこでも生えちゃうからね。」これら全ての設定が登場人物の性格、ストーリー性、映画の雰囲気を作り上げている。

今でさえもどうしてこの映画を観ようと思ったのかその理由に結論はでない。でもひとつ確かなことは、いつかカリフォルニアを離れる時が来ても、この映画の雰囲気はここでの生活の記憶とともに決して忘れることはないということ。この映画だけは、DVDのレンタル開始を待つことをお勧めします。そしてレンタルしたら必ず、DVDプレイヤーの再生ボタンを押す前に1本のピノ・ノワールを用意し、開栓してください。だってこの映画よりもワインにマッチした前菜なんてそうはなかなか見つけられないよ、まじで。

SF Movie Report 1: Hotel Rwanda

[Hotel Rwanda]

"When the world closed its eyes, he opened his arms."



Director: Terry George

Casts: Don Cheadle, Sophie Okonedo, Nick Nolte, Joaquin Phoenix

Release Date in Japan: not decided



Story:　In 1994, when Rwanda descended into madness, one man made a promise to protect his family and helped over 1200 people. Paul Rusesabagina, a hotel manager in Rwanda, he used his position secretly just to shelter over a thousand refugees during the genocide. While the rest of the world shut the door, Paul opened his heart to prove the human spirit to overcome all the reality.



Basically I don’t like to watch war or massacre movie just because after watching it, it usually doesn’t leave good feeling to me. However, this, Hotel Rwanda, is not just a movie about real documentary of the worst genocide in our history. It reminded me what a real guy has to be. Of course Don Cheadle’s efforts is worth to be a nominee for Academy because in this movie he turned himself into a hero with two different faces. Two scenes really struck me. First scene is about his love for his wife. Even he was suffered from the terrible disasters; he prepared beers and candles on the roof of hotel secretly to share a moment of happiness with his wife. Another scene is about his courage to help his folks. When the truck of United Nation came to the hotel to rescue some people away from there, he made a brave decision as a man. From my point of view, Paul showed two characters proudly, love as a husband and courage as a manager. What this movie realized to me is not just about the same history never repeated again but also some important human nature as a man.

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ストーリー：　ルワンダが血にまみれた1994年、ある男は家族と1200人以上の命を守ることを心に誓った。ルワンダのホテルのマネージャー、ポールは彼の地位を巧みに利用し、大量虐殺から千人以上もの難民をかくまった。世界が助けの扉を閉ざすなか、彼は人間として現実を乗り越えようとその心を開いた。

基本的に戦争、虐殺物の映画は好きじゃないです。だって見終わった後いやーな余韻が残ることがほとんどだから。。ところがこの「ホテル・ルワンダ」は単なる歴史上最も悲惨だった虐殺劇のドキュメンタリーではなく、男とは何たるものかを教えてくれる映画です。ポールを演じるドン・チードルは2つの異なる顔を巧く混在させアカデミーに価する好演を見せてくれます。印象に残る場面が2つあります。1つは妻に対する愛の場面。過酷な状況下にもかかわらず、彼は妻のためにひそかにホテルの屋根にビールとろうそくを用意しつかの間の安らぎを彼女と分かち合うのです。もう1つの場面。難民の一部を非難させるため、国連のトラックが彼らを連れ去るとき、彼は男としての意を決します。ポールは、夫としての愛、そしてマネージャーとしての勇気を示してくれます。この映画は単に歴史は繰り返してはいけないと言うことを教えるだけでなく、男としての何か大切なものを訴える映画です。